Desde ahora en adelante, en
http://omarzunigahidalgo.wordpress.com/
o en Facebook.
Salud.
lunes, julio 14, 2008
jueves, mayo 15, 2008
lunes, marzo 24, 2008
sábado, enero 19, 2008
martes, enero 08, 2008
domingo, diciembre 23, 2007
miércoles, diciembre 19, 2007
lunes, diciembre 17, 2007
:: 176
Anoche fuimos con Maite a ver "Yo soy mi propia mujer", y a la salida estuvimos con su protagonista, del que soy profundo e intenso groupie. Le regalamos nuestros cortos y lo felicitamos y el tipo se pasó de sencillo. El montaje, creo que estaba notable, sencillo, sobrio, y actoralmente soberbio. Dos personajes, una y otra vez, distintos e individualmente interpretados. En fin, nos fuimos felices de haber estado con uno de nuestros ídolos. Así de chulo. Por supuesto.
martes, diciembre 11, 2007
:: 175
Dentro de In Edit se presentará "Catalejo", documental de Ronnie Radonich, querido compañero de curso. Su invitación:
"Amigos, compañeros, familia, camaradas todos, en el marco del Festival de documentales In-edit se presentará Catalejo, documental sobre Manuel García en el que hemos estado trabajando todo el año con un gran equipo de trabajo. Será una suerte de preestreno y sería genial que fueran. El día de la presentación es este jueves 13 de diciembre a las 16:00 hrs en el Cine Arte Alameda. Las entradas cuestan $1.500 y pueden ver dos documentales más que los dan junto con Catalejo. Yo dispongo de cierta cantidad de invitaciones asi que los que quieran me mandan un mail pidiendome, si no da para todos ahi se arreglan entre algunos para pagar sus entradas, para esto sería bueno que llegaran 15 minutos antes, tipo 15:45.
Para los que vayan y los que no, les pido que se metan a la página del festival http://www.inedit.cl/ y linkeen en "vota por tu favorita", así votan en la sección nacional por "catalejo" y podremos ganar un suculento premio. Reenvien este mail a todo el mundo para que vote. Lo ideal sería ganar por votación del jurado pero como no es así la cosa hay que pedir estos favores.
Próximamente habrá una muestra oficial pero para los que quieren verlo antes esta es la ocasión, además es bonito ver la sala llena de caras conocidas. Eso sería todo, espero que vayan y disfruten de una media hora muy honesta y llena de buena vibra.
Un abrazo."
A verlo se ha dicho, claro está. Y vote en la página web.
:: 174
(Vía Blog laFuga)
Mañana parte oficialmente IN EDIT Chile, festival internacional de documentales musicales, con una programación de lujo, a distribuirse en Centro Arte Alameda, Centro Mori Bellavista y el cine Pedro de Valdivia (nostálgica sala pronto a ser rematada). Sus organizadores dicen:
“In-Edit es un festival dedicado al género documental musical, un lugar de encuentro entre la música y el cine, el primer festival de su especie que se realiza en Chile, por cuarto año consecutivo, y que surgió hace cinco años en Barcelona.
Energía, sonido y espacio compartidos en un mismo tiempo por los fanáticos del cine y la música. Lugar donde convergen desde la electrónica, hip hop y música negra, hasta iconos del rock y música étnica, incluyendo todos los estilos y formatos, con variados autores y temáticas dentro del género musical.
El festival entrega, en pantalla grande y con sonido de alta calidad, películas y documentales ‘in-editos’, estrenados minoritariamente o sólo en formato televisión, todas las muestras con subtítulos en español.
A su vez, a modo de plataforma, se pretende llevar este festival a varias capitales de Latinoamérica, seleccionando las mejores obras para que sean vistas más allá de su país de origen.
Los invitamos a todos a disfrutar de esta muestra de sonido e imágenes. In-Edit : Música para tus ojos.”
La programación aquí. Se viene muy entretenido.
Mañana parte oficialmente IN EDIT Chile, festival internacional de documentales musicales, con una programación de lujo, a distribuirse en Centro Arte Alameda, Centro Mori Bellavista y el cine Pedro de Valdivia (nostálgica sala pronto a ser rematada). Sus organizadores dicen:
“In-Edit es un festival dedicado al género documental musical, un lugar de encuentro entre la música y el cine, el primer festival de su especie que se realiza en Chile, por cuarto año consecutivo, y que surgió hace cinco años en Barcelona.
Energía, sonido y espacio compartidos en un mismo tiempo por los fanáticos del cine y la música. Lugar donde convergen desde la electrónica, hip hop y música negra, hasta iconos del rock y música étnica, incluyendo todos los estilos y formatos, con variados autores y temáticas dentro del género musical.
El festival entrega, en pantalla grande y con sonido de alta calidad, películas y documentales ‘in-editos’, estrenados minoritariamente o sólo en formato televisión, todas las muestras con subtítulos en español.
A su vez, a modo de plataforma, se pretende llevar este festival a varias capitales de Latinoamérica, seleccionando las mejores obras para que sean vistas más allá de su país de origen.
Los invitamos a todos a disfrutar de esta muestra de sonido e imágenes. In-Edit : Música para tus ojos.”
La programación aquí. Se viene muy entretenido.
viernes, noviembre 30, 2007
:: 173
Estimados lectores:
Librería Qué Leo tiene el agrado de invitarlos a la tercera seción del ciclo "Música para Camaleones".
Este viernes 30 de noviembre a las 19:30 Les Ondes Martenot se presenta en sesión acústica, el estilo de Belle and Sebastian y Cámara Obscura estarán presentes en la Providencia 2102, a pasos de Pedro de Valdivia.
Además podrán revisar y ver los nuevos libros que tenemos. Más adelante el día viernes 7 de diciembre se presentará GEPE y el jueves 13 de diciembre Perrosky.
La entrada es gratuita, les aconsejamos que lleguen puntuales ya que las puertas se pueden cerrar.
Los esperamos.
Librería Qué Leo tiene el agrado de invitarlos a la tercera seción del ciclo "Música para Camaleones".
Este viernes 30 de noviembre a las 19:30 Les Ondes Martenot se presenta en sesión acústica, el estilo de Belle and Sebastian y Cámara Obscura estarán presentes en la Providencia 2102, a pasos de Pedro de Valdivia.
Además podrán revisar y ver los nuevos libros que tenemos. Más adelante el día viernes 7 de diciembre se presentará GEPE y el jueves 13 de diciembre Perrosky.
La entrada es gratuita, les aconsejamos que lleguen puntuales ya que las puertas se pueden cerrar.
Los esperamos.
viernes, noviembre 09, 2007
martes, octubre 23, 2007
:: 171
JURAMENTO
«JURO POR DIOS QUE EJERCERÉ MIS DEBERES PROFESIONALES CON DEDICACIÓN Y FIDELIDAD A LOS PRINCIPIOS Y VALORES QUE INSPIRAN A LA PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATÓLICA DE CHILE, PROCURANDO EL BIEN INTEGRAL DE QUIENES REQUIERAN MIS SERVICIOS Y ATENDIENDO CON ESPECIAL SOLICITUD A LOS MÁS NECESITADOS.
MEDIANTE MI TRABAJO Y LA BÚSQUEDA SINCERA DE LA VERDAD, ME ESFORZARÉ POR CONTRIBUIR CON OBRAS Y CONOCIMIENTOS A LA CONSTRUCCIÓN DE UNA SOCIEDAD MÁS HUMANA, FUNDADA EN LA SOLIDARIDAD Y EN EL RESPETO IRRESTRICTO POR LA VIDA Y POR LA DIGNIDAD DE LAS PERSONAS.
PIDO QUE LA GRACIA DE DIOS ME ILUMINE Y FORTALEZCA PARA PODER CUMPLIR ESTE SOLEMNE COMPROMISO, Y ME CONCEDA LA ALEGRÍA DEL DEBER REALIZADO Y LA ABUNDANCIA DE LOS DONES ETERNOS.»
(!?) 30 de octubre de 2007.
«JURO POR DIOS QUE EJERCERÉ MIS DEBERES PROFESIONALES CON DEDICACIÓN Y FIDELIDAD A LOS PRINCIPIOS Y VALORES QUE INSPIRAN A LA PONTIFICIA UNIVERSIDAD CATÓLICA DE CHILE, PROCURANDO EL BIEN INTEGRAL DE QUIENES REQUIERAN MIS SERVICIOS Y ATENDIENDO CON ESPECIAL SOLICITUD A LOS MÁS NECESITADOS.
MEDIANTE MI TRABAJO Y LA BÚSQUEDA SINCERA DE LA VERDAD, ME ESFORZARÉ POR CONTRIBUIR CON OBRAS Y CONOCIMIENTOS A LA CONSTRUCCIÓN DE UNA SOCIEDAD MÁS HUMANA, FUNDADA EN LA SOLIDARIDAD Y EN EL RESPETO IRRESTRICTO POR LA VIDA Y POR LA DIGNIDAD DE LAS PERSONAS.
PIDO QUE LA GRACIA DE DIOS ME ILUMINE Y FORTALEZCA PARA PODER CUMPLIR ESTE SOLEMNE COMPROMISO, Y ME CONCEDA LA ALEGRÍA DEL DEBER REALIZADO Y LA ABUNDANCIA DE LOS DONES ETERNOS.»
(!?) 30 de octubre de 2007.
martes, octubre 16, 2007
viernes, octubre 12, 2007
:: 169
(Vía Blog laFuga)
El festival ya terminó. Estoy en Santiago, un luminoso Santiago. No hay caso con Valdivia, es un Festival que tiene efervescencia y vuelo, que se enciende por los participantes y los visitantes. Priorizando otras cosas, me perdí las películas ganadoras: ‘Still life’ y ‘Yumurta’. Me alegra el premio de ‘Mirageman’. Algunos quedaron sorprendidos con la mención para ‘La vida me mata’ y ‘Lo bueno de llorar’: ¿premio inventado el minuto anterior? ¿exceso de paternalismo con las películas chilenas? ¿o está bien? Se abre el debate. Los últimos días bajé la cuota diaria, el cuerpo se resiente tras tantas fiestas e intensidad. ‘Ping Pong’ (Luthardt), alemana, tuve que abandonarla a la hora de transcurso, por algunas cosas que hacer. Quisiera no haberla dejado. El nivel de tensión y perversión en la cinta eran alucinantes. Ella atraída por el sobrino del marido, ella con una extraña fijación con su perro, la construcción de la piscina, las conductas alemanas algo parcas y crípticas, el espacio perfecto de la casa. Las miradas, el piano. No pude verla entera, espero alguien competente pueda hacerse cargo para nuestro dossier valdiviano.
Chilenas, ‘El Pejesapo’(Sepúlveda), ‘Ángeles negros’ (Leiva+Bustos). ‘Pejesapo’, una aventura, la marginalidad a la proyección (social y digital, una cámara de lente manchado a veces, de distintos formatos incluso). Un sujeto hace lo posible por guiar su vida, después de intentar suicidarse en el río Maipo. Cesante, sin norte más que la sobrevivencia de una hija, se aventura errante en un Santiago poniente, pudahuelino, poblaciones, circos bizarros de travestis. Con algunas secuencias notables, tristes y patéticas (el circo como el gran ejemplo de esto), creo que supera largamente las expectativas que puedan tenerse. El uso de la cámara, la improvisación de los diálogos, una especie extraña de dogma marginal, discursivo, muy fuerte, coherente. ‘Ángeles negros’, un documental construido a la medida de lo didáctico, recopilando a los integrantes originales de la banda. Aquí aparece la discusión entre el valor del documental y la noción de lo televisivo (en varios momentos la película parece un capítulo más de ‘Canción Nacional’, incluso con créditos gráficamente similares). Independiente de que el relato se explica, de un modo bastante claro, lo que queda en deuda es la posesión de un dispositivo visual, de una manera de ver las cosas, de que se note una mano detrás de lo que se narra. Se echa de menos entonces el que la película sobrepase de alguna manera lo que se espera de un reportaje, aquella convención informativa, entrevistas, planos ilustrativos. De todos modos, entretenidas las referencias musicales, el encanto de los personajes.
Finalmente, mi película favorita del festival, ‘Hamaca paraguaya’, de Paz Encina. Fuera de competencia, programada por el bueno de don José Luis Torres para la sección Nuevos Caminos. Planos fijos, constantes, en torno a las acciones cotidianas de una pareja de ancianos que hablan en guaraní. Instalan una hamaca, esperan. Esperan. Y siguen esperando. Y mientras lo hacen, hablan acerca de su hijo, que está en la guerra, a quien echan de menos, a quien aman y quieren de vuelta. La nostalgia, lo hipnótico del guaraní como lenguaje, la lluvia que está todo el tiempo a punto de caer. Un conflicto bélico situado en 1935 es el pretexto para el ejercicio visual de la espera, de la esperanza. El viejo corta cañas, en un espacio vacío, en un tiempo vacío. Notable, quise llorar.
Evaluaciones globales, críticas algo menos provisorias, próximamente en laFuga.
El festival ya terminó. Estoy en Santiago, un luminoso Santiago. No hay caso con Valdivia, es un Festival que tiene efervescencia y vuelo, que se enciende por los participantes y los visitantes. Priorizando otras cosas, me perdí las películas ganadoras: ‘Still life’ y ‘Yumurta’. Me alegra el premio de ‘Mirageman’. Algunos quedaron sorprendidos con la mención para ‘La vida me mata’ y ‘Lo bueno de llorar’: ¿premio inventado el minuto anterior? ¿exceso de paternalismo con las películas chilenas? ¿o está bien? Se abre el debate. Los últimos días bajé la cuota diaria, el cuerpo se resiente tras tantas fiestas e intensidad. ‘Ping Pong’ (Luthardt), alemana, tuve que abandonarla a la hora de transcurso, por algunas cosas que hacer. Quisiera no haberla dejado. El nivel de tensión y perversión en la cinta eran alucinantes. Ella atraída por el sobrino del marido, ella con una extraña fijación con su perro, la construcción de la piscina, las conductas alemanas algo parcas y crípticas, el espacio perfecto de la casa. Las miradas, el piano. No pude verla entera, espero alguien competente pueda hacerse cargo para nuestro dossier valdiviano.
Chilenas, ‘El Pejesapo’(Sepúlveda), ‘Ángeles negros’ (Leiva+Bustos). ‘Pejesapo’, una aventura, la marginalidad a la proyección (social y digital, una cámara de lente manchado a veces, de distintos formatos incluso). Un sujeto hace lo posible por guiar su vida, después de intentar suicidarse en el río Maipo. Cesante, sin norte más que la sobrevivencia de una hija, se aventura errante en un Santiago poniente, pudahuelino, poblaciones, circos bizarros de travestis. Con algunas secuencias notables, tristes y patéticas (el circo como el gran ejemplo de esto), creo que supera largamente las expectativas que puedan tenerse. El uso de la cámara, la improvisación de los diálogos, una especie extraña de dogma marginal, discursivo, muy fuerte, coherente. ‘Ángeles negros’, un documental construido a la medida de lo didáctico, recopilando a los integrantes originales de la banda. Aquí aparece la discusión entre el valor del documental y la noción de lo televisivo (en varios momentos la película parece un capítulo más de ‘Canción Nacional’, incluso con créditos gráficamente similares). Independiente de que el relato se explica, de un modo bastante claro, lo que queda en deuda es la posesión de un dispositivo visual, de una manera de ver las cosas, de que se note una mano detrás de lo que se narra. Se echa de menos entonces el que la película sobrepase de alguna manera lo que se espera de un reportaje, aquella convención informativa, entrevistas, planos ilustrativos. De todos modos, entretenidas las referencias musicales, el encanto de los personajes.
Finalmente, mi película favorita del festival, ‘Hamaca paraguaya’, de Paz Encina. Fuera de competencia, programada por el bueno de don José Luis Torres para la sección Nuevos Caminos. Planos fijos, constantes, en torno a las acciones cotidianas de una pareja de ancianos que hablan en guaraní. Instalan una hamaca, esperan. Esperan. Y siguen esperando. Y mientras lo hacen, hablan acerca de su hijo, que está en la guerra, a quien echan de menos, a quien aman y quieren de vuelta. La nostalgia, lo hipnótico del guaraní como lenguaje, la lluvia que está todo el tiempo a punto de caer. Un conflicto bélico situado en 1935 es el pretexto para el ejercicio visual de la espera, de la esperanza. El viejo corta cañas, en un espacio vacío, en un tiempo vacío. Notable, quise llorar.
Evaluaciones globales, críticas algo menos provisorias, próximamente en laFuga.
jueves, octubre 11, 2007
:: 168
(Vía Blog laFuga)
El clima de Valdivia acompaña a la ciudad impregnando todo de un sol radiante. Han sido buenos días sureños. Ayer conocí el Teatro Cervantes, antiguo recinto restaurado y ahora inaugurado en esta edición del festival. Es un placer darse cuenta de la inteligencia de rescatar un precioso teatro en desuso y revitalizar la vida cultural de una ciudad. Tiene dos pisos, llenos de gente ayer para los estrenos respectivos de dos películas chilenas: ‘Lo bueno de llorar’, de Matías Bize, y ‘Mirageman’, de Ernesto Díaz Espinoza.
Extraña combinación. Dos posibilidades distintas, segregadas, cultural y territorialmente (Bize filmando en las calles de una Barcelona nocturna y Díaz haciendo lo suyo en un Santiago con olor a nuestro). Las posibilidades del cine chileno se amplían, y lo hacen de una manera lúcida.
‘Lo bueno de llorar’ es la crónica de un viaje, fragmentos de una noche de separación. Es interesante el uso de los espacios desolados, vacíos, una Barcelona construida a partir de la ausencia, de lo sucio, y no de los espacios prototipos de una ciudad europea. La pareja atraviesa distintas situaciones durante la caminata, desde pasar por la fiesta de una amiga de ella hasta huir como niños tras haber hecho una travesura (en una de las secuencias más destacables de la película), por ejemplo. Ahora, la impresión que queda tras la película es un sentido algo errático, quizás inconstante, de relato que se perpetua a sí mismo sin motivos aparentes. Que se extiende en metraje, que es en exceso musicalmente inductivo en algunas escenas (el inicio como el mejor indicio de esto). Bize es inteligente en su experimentación acerca de la pareja, las sensaciones, lo torpe de algunas acciones, pero en una película de vocación mínima y al mismo tiempo totalmente narrativa, esperamos algo más de carne. El sufrimiento del quiebre queda allí, perdido en el espacio del deambular.
Con ‘Mirageman’ pasó una de las cosas más emocionantes que pueden pasar dentro de un Festival: una ovación sostenida por varios minutos al final y aplausos incluso entremedio de la película. Un público hiperventilado con la que parece ser la gran sorpresa oculta del cine chileno, que muy afortunadamente ahora sale del laboratorio. Mirageman es el sobrenombre en clave superhéroe de un inocente y utópico guardia de seguridad del Passapoga, afectado por las repercusiones de un violento asalto que cambió su vida y la de su familia. Adicto al ejercicio, una noche interrumpe el asalto a la casa de una famosa periodista. Lo que queda despúes es entonces el nacimiento del héroe que rescatará a los santiaguinos de sus amenazas, con nada más que un excelente estado físico y aptitudes de pelea, además de una fe transparente en que todo puede ser mejor. Díaz es simplemente un excelente director al asumir códigos visuales y narrativos de un cine fantástico y al mismo tiempo muy verosímil. Su Santiago es una ciudad que huele a micro, una ciudad real, que se ve y que se reconoce. El héroe nace para un final trágico, no sin antes pasar por peleas y manipulaciones. La película asume sin pudor un sistema de referentes reconocible, la televisión (Pseudo Robin y Mirageman en moto hacia Santa Martina como inicio de serie ochentera, simplemente notable), las secuencias de pelea, la femme fatale. Sólida, se apropia de estos referentes y los hace propios, verosímiles, creíbles. Es autoconsciente de su género y hasta lo parodia, muy inteligentemente, con sentido del humor y gracia, convirtiéndose en un gran logro y una muy buena película.
Ahora tengo que irme corriendo, llega la van, no releo lo que he escrito, adiós!
sábado, octubre 06, 2007
:: 167
(Vía Blog laFuga)
Bus de asientos anchos, dubbed Lost, James Bond, Escuela de Rock y Prision Break (esto último descubrimiento potencial, me haré adicto al parecer). Volver es inevitablemente nostálgico, todo cambia y no cambia al mismo tiempo, el hostal es distinto y no, la ciudad es distinta y no. Están ampliando el mall, lo que tiene a los valdivianos vueltos locos comprando (o al menos estaba lleno cuando entré).
El festival invade la ciudad con un nuevo recinto a su favor (el Teatro Cervantes) y con una internacionalización latente (catálogo completamente bilingüe -al fin-, personas que hablan distintos idiomas en la sala de prensa de Hotel Villa del Río). La tecnología también se apropia del lugar, los acreditados debemos reservar anteriormente en un servicio computacional. Impresiones iniciales de lo que parece ser un gran festival. Ahora me marcho a ver ‘El Otro’ (Rotter). Nos leemos.
Bus de asientos anchos, dubbed Lost, James Bond, Escuela de Rock y Prision Break (esto último descubrimiento potencial, me haré adicto al parecer). Volver es inevitablemente nostálgico, todo cambia y no cambia al mismo tiempo, el hostal es distinto y no, la ciudad es distinta y no. Están ampliando el mall, lo que tiene a los valdivianos vueltos locos comprando (o al menos estaba lleno cuando entré).
El festival invade la ciudad con un nuevo recinto a su favor (el Teatro Cervantes) y con una internacionalización latente (catálogo completamente bilingüe -al fin-, personas que hablan distintos idiomas en la sala de prensa de Hotel Villa del Río). La tecnología también se apropia del lugar, los acreditados debemos reservar anteriormente en un servicio computacional. Impresiones iniciales de lo que parece ser un gran festival. Ahora me marcho a ver ‘El Otro’ (Rotter). Nos leemos.
viernes, octubre 05, 2007
:: 166
Mañana a las 8 AM parto.
Está muy bueno. Muchas cosas interesantes en paralelas y en la competencia internacional. laFuga tendrá blog, en el prentendo postear lo más que pueda. Y un nuevo número estará en algunas horas más online.
En Gente Joven/Ficción varios cortos DAV:
'Debajo' / Dominga Sotomayor
'Noviembre' / Dominga Sotomayor (aqui hice el montaje y la asistencia de dirección).
'Las Peluqueras / Maite Alberdi - Israel Pimentel.
Lunes 8 de octubre de 2007, 10.00 AM. Aula Magna UACH.
Y:
'Quedar' / Christopher Murray.
'Los hombres y el río' / Omar Zúñiga Hidalgo.
Martes 9 de octubre de 2007, 10.00 AM. Aula Magna UACH.
Nos vemos en la nueva región de los Ríos.
miércoles, octubre 03, 2007
:: 165
Anoche vi 'Radio Corazón', la película dirigida al país y por don Rumpy.
La verdad, me reí mucho con la primera historia. "No mueva tanto la cuna que se va a despertar la guagua". Frases de antología, varias. La película está bien, es entretenida, espero que le vaya muy bien en salas. Tiene todo para ello.
La verdad, me reí mucho con la primera historia. "No mueva tanto la cuna que se va a despertar la guagua". Frases de antología, varias. La película está bien, es entretenida, espero que le vaya muy bien en salas. Tiene todo para ello.
miércoles, septiembre 26, 2007
:: 164
(Vía NNM)
Aquí está el reactable, instrumento que viene a revolucionar el modo de comprender la elaboración de los sonidos, tal como la conocemos. Creado en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, el equipo lo prensentó en sociedad el año pasado. El proceso de composición es ahora intuitivo, visual, táctil, en una superficie azul brillante que encandila los ojos al ver este video de demo.
Cito Wikipedia:
El reacTable consta de un tablero translúcido retroiluminado con una cámara situada al otro lado del tablero que analiza contínuamente la superficie y sigue los movimientos, la naturaleza, la posición y la orientación de los diferentes objetos físicos que están situados sobre el tablero por medio de visión artificial. Varios músicos simultáneos comparten control completo sobre el instrumento moviéndo y rotando los objetos en el redondo tablero luminoso. Al mover y relacionar los objetos por la superficie del tablero se modifica la estructura y los parámetros del sintetizador de sonido. Estos objetos conforman los típicos módulos de un sintetizador modular. Simultáneamente, el proyector muestra la actividad y las características principales del sonido producido, otorgándole de esta forma la necesaria retroalimentación al ejecutante. De esta forma varios músicos pueden compartir el control desplazando y rotando fichas transparentes sobre la mesa luminosa.
Cada uno de los usuarios puede crear una función sonora diferente. Entre otras cosas, reacTable intenta ser: colaborativo: varios ejecutantes (en forma local o remota) intuitivo: sin manual, sin instruccionesposeedor de una sonoridad interesante y desafianteenseñable y aprendible (incluso por chicos) apto para novatos y músicos electrónicos avanzados (conciertos).
Ahora entiendo porqué Björk lo incluye en su gira para Volta. Alucinante. Más en el sitio web oficial.
domingo, septiembre 23, 2007
:: 163
Mañana lunes 24 de septiembre voy de invitado a Cuchillo Carnicero, programa de Radio UC. Escuchenlo, se viene una conversacion entretenida con queridos amigos. Cosas de cine en esta edicion parece.
12.30 a 13.30 en Santiago, Radio UC.
12.30 a 13.30 en Santiago, Radio UC.
jueves, septiembre 13, 2007
viernes, agosto 31, 2007
lunes, agosto 20, 2007
:: 161
(Esto va para Blog laFuga)
Yo creo que nuestro SANFIC está aprendiendo de sí mismo, y que indudablemente en términos operativos está funcionando de un mucho mejor modo que el año pasado. Es cierto que las competencias todavía son más o menos precarias, pero ello (creo) en la medida en que el festival aparezca dentro del mapa global, podrá irse mejorando paulatinamente. Lo que sí estoy en profundo desacuerdo es en escoger Parque Arauco como sede central, un lugar casi inalcanzable por el transporte público es hace una decisión editorial que corta de inmediato un segmento de la población santiaguina y le da un perfil incluso más elitista. Además las salas son planas y uno tiene que doblar su cuello hacia arriba. Aunque no me paguen nada por decirlo, lo digo igual: no hay nada como Hoyts La Reina.
Ahora , las películas.
He visto bastantes y recojo muy pocas. ‘Palestine blues’, documental de la competencia internacional realizado por Nida Sinnokrot, es hasta el momento mi favorita. Sinnokrot es artista plástico de origen palestino-estadounidense, y narra con una cámara en exceso precaria (DV) la historia del pueblo palestino que estaba siendo aislado de Israel por la construcción de una barrera de seguridad, proceso iniciado durante 2002. Desde un lugar levemente autobiográfico, con el proceso del retorno al lugar de origen incluido, la película es capaz de sintetizar dimensiones políticas y emocionales sin ser grandilocuente. Hay momentos memorables, entrevistas a niños palestinos que demuestran mayor conocimiento político de la situación que el que uno tiene como espectador. La articulación de la historia que se narra se torna mucho más importante que su puesta en escena, algo improvisada, adecuada a las condiciones del contexto: muchas imágenes están captadas incluso desde el bolso de la cámara para así poder ocultarla. Varios diálogos están entonces en negro. El espacio palestino es entonces esa construcción virtual, sin imágenes, sin algo a qué anclarse, sin una tierra en la cual fijarse.
Con Carola aterrizamos muy a pito de nada en ‘Unrequited Love’, una película inglesa dirigida por Chris Petit, realizador y escritor. Un tono visual fuera de convención, utilizando cámaras de seguridad callejeras mezcladas con registros actorales más concretos. Todo remite a una observación experimental acerca de las relaciones de pareja, del cine como mecanismo de reproducción de imágenes, de múltiples referencias literarias. La carencia de ‘relato’ hace que el metraje sea fácilmente catalogado como ‘de ensayo’, más que una ficción propiamente tal. Los bordes, como siempre, son difíciles de definir. En fin, expectativas previas –casi nulas- ampliamente superadas.
He visto bastantes más (‘Warchild’, ‘La memoria de los otros’, ‘Longing’, ‘Ça brule’, ‘Syndromes and a Century’, ‘Un verano en Berlín’, ‘Pool of Princesses’, ‘I want to dance’,‘La vida me mata’ y ‘Analog Days’) pero me quedo con estas dos. Más tarde, ceremonia de clausura y adiós a este SANFIC3. Y aún más tarde, un dossier fugado más amplio y sistemático sobre este festival.
Lo que más me ha gustado (y lo que menos)
Me he portado pésimo. He estado a mil corriendo entre las películas y de un lado para otro, y no me había detenido aquí. De todas maneras, ha llegado una reivindicación en este último día de festival. Entre los asistentes, como se ha visto aquí, como se ha visto en los comentarios de pasillo, hay una cierta perplejidad. Independiente del fenómeno de la avalancha inabarcable de películas, se han mostrado cosas y se han tenido actitudes que hacen cuestionar en algún grado las elecciones de curatoría de este SANFIC3. Recogiendo algunos de las frases escuchadas: mostrar ‘Pecados’ en Parque Arauco (el nuevo mall-sedecentral-atrasmanos) para la inauguración, tener una competencia internacional más o menos floja y llena de óperas primas. Y así.Yo creo que nuestro SANFIC está aprendiendo de sí mismo, y que indudablemente en términos operativos está funcionando de un mucho mejor modo que el año pasado. Es cierto que las competencias todavía son más o menos precarias, pero ello (creo) en la medida en que el festival aparezca dentro del mapa global, podrá irse mejorando paulatinamente. Lo que sí estoy en profundo desacuerdo es en escoger Parque Arauco como sede central, un lugar casi inalcanzable por el transporte público es hace una decisión editorial que corta de inmediato un segmento de la población santiaguina y le da un perfil incluso más elitista. Además las salas son planas y uno tiene que doblar su cuello hacia arriba. Aunque no me paguen nada por decirlo, lo digo igual: no hay nada como Hoyts La Reina.
Ahora , las películas.
He visto bastantes y recojo muy pocas. ‘Palestine blues’, documental de la competencia internacional realizado por Nida Sinnokrot, es hasta el momento mi favorita. Sinnokrot es artista plástico de origen palestino-estadounidense, y narra con una cámara en exceso precaria (DV) la historia del pueblo palestino que estaba siendo aislado de Israel por la construcción de una barrera de seguridad, proceso iniciado durante 2002. Desde un lugar levemente autobiográfico, con el proceso del retorno al lugar de origen incluido, la película es capaz de sintetizar dimensiones políticas y emocionales sin ser grandilocuente. Hay momentos memorables, entrevistas a niños palestinos que demuestran mayor conocimiento político de la situación que el que uno tiene como espectador. La articulación de la historia que se narra se torna mucho más importante que su puesta en escena, algo improvisada, adecuada a las condiciones del contexto: muchas imágenes están captadas incluso desde el bolso de la cámara para así poder ocultarla. Varios diálogos están entonces en negro. El espacio palestino es entonces esa construcción virtual, sin imágenes, sin algo a qué anclarse, sin una tierra en la cual fijarse.
Con Carola aterrizamos muy a pito de nada en ‘Unrequited Love’, una película inglesa dirigida por Chris Petit, realizador y escritor. Un tono visual fuera de convención, utilizando cámaras de seguridad callejeras mezcladas con registros actorales más concretos. Todo remite a una observación experimental acerca de las relaciones de pareja, del cine como mecanismo de reproducción de imágenes, de múltiples referencias literarias. La carencia de ‘relato’ hace que el metraje sea fácilmente catalogado como ‘de ensayo’, más que una ficción propiamente tal. Los bordes, como siempre, son difíciles de definir. En fin, expectativas previas –casi nulas- ampliamente superadas.
He visto bastantes más (‘Warchild’, ‘La memoria de los otros’, ‘Longing’, ‘Ça brule’, ‘Syndromes and a Century’, ‘Un verano en Berlín’, ‘Pool of Princesses’, ‘I want to dance’,‘La vida me mata’ y ‘Analog Days’) pero me quedo con estas dos. Más tarde, ceremonia de clausura y adiós a este SANFIC3. Y aún más tarde, un dossier fugado más amplio y sistemático sobre este festival.
domingo, agosto 12, 2007
:: 160
SANFIC3, Santiago Festival Internacional de Cine.
A diferencia del año pasado, llego mucho más 'en pelota': no sé muy bien que tengo que ver, y nadie me ha recomendado nada. De todas maneras, la idea es acampar en las salas una vez más y de disfrutar estos seis días que se vienen, porque están cargadísimos de cosas.
En la sección Talento Nacional 3 cortos DAV:
"Las Peluqueras" / Maite Alberdi - Israel Pimentel
Viernes 17, 14:00 hrs., Centro Arte Alameda.
Domingo 19, 21:00 hrs., Centro Arte Alameda.
"debajo" / Dominga Sotomayor
Miércoles 15 y el Sábado 18, a las 14:30 hrs., Centro Arte Alameda.
Y:
"Los hombres y el río"/ Omar Zúñiga Hidalgo
Viernes 17, 14:00 hrs., Centro Arte Alameda.
Domingo 19, 21:00 hrs., Centro Arte Alameda.
Las funciones de esta categoría son gratis.
*Revísalo en Saborizante.
martes, agosto 07, 2007
martes, julio 31, 2007
:: 157
(Esto va para NNM)
Hace ya un par de meses un gran amigo nuyorker y DJ que andaba de paso por Santiago me regaló un CD con algunas de las cosas que estaba escuchando. Y como me conoce bastante, me dejó cosas que sabría que me podrían gustar.
Dentro del tracklist (bastante entretenido, aquí solo uno de los múltiples componentes) aparecía Planning to Rock, con una canción delirantemente rompepistas que se llama Have it all. Una descarga demasiado bailable como para escucharla y quedarse con los pies quietos. Así de grave.
Planning to Rock es entonces el nickname de Janine Rostron, una chica born in England pero que ahora vive en Berlín. Todas sus performances son medias extrañas, intervenidas con videos, y sus vocales y bases, interpretadas y compuestas por ella misma. Un fetiche visual que se construye en la medida de su música. Partió autoeditada, completamente independiente, y se acogió al sello de las Chicks on Speed luego. Eso la llevó a tener una difusión algo más amplia.
Violinista además, Janine tiene algo de manía por las cuerdas, pero sus canciones también contienen ejercicios de sintetizadores y mucho de electrónico. No todo es tan bailable como Have it all, de hecho, hay rasgos muchos más oscuros en otras canciones. Siempre dentro de un pop electrónico femenino, algo asociable a Bjork pero desde un lugar muy diferente.
Echen una mirada, que la chica se las trae.
Ojo con los videos, caleidoscópicos, psicodélicos, buenísimos al fin y al cabo por lo precarios.
Dentro del tracklist (bastante entretenido, aquí solo uno de los múltiples componentes) aparecía Planning to Rock, con una canción delirantemente rompepistas que se llama Have it all. Una descarga demasiado bailable como para escucharla y quedarse con los pies quietos. Así de grave.
Planning to Rock es entonces el nickname de Janine Rostron, una chica born in England pero que ahora vive en Berlín. Todas sus performances son medias extrañas, intervenidas con videos, y sus vocales y bases, interpretadas y compuestas por ella misma. Un fetiche visual que se construye en la medida de su música. Partió autoeditada, completamente independiente, y se acogió al sello de las Chicks on Speed luego. Eso la llevó a tener una difusión algo más amplia.
Violinista además, Janine tiene algo de manía por las cuerdas, pero sus canciones también contienen ejercicios de sintetizadores y mucho de electrónico. No todo es tan bailable como Have it all, de hecho, hay rasgos muchos más oscuros en otras canciones. Siempre dentro de un pop electrónico femenino, algo asociable a Bjork pero desde un lugar muy diferente.
Echen una mirada, que la chica se las trae.
Ojo con los videos, caleidoscópicos, psicodélicos, buenísimos al fin y al cabo por lo precarios.
viernes, julio 06, 2007
:: 156
Atención.
(Lo del miércoles son justo los autores de las únicas dos canciones de 'Los hombres y el río', coincidencias).
jueves, junio 07, 2007
:: 155
La señora Peranger reparó de nuevo en el ruido del agua de la piscina. ¿Porqué era tan fuerte, porqué parecería decir: "Mamá, mamá, he encontrado al hombre con que quiero casarme...?" ¿Porqué sonaba con tanta autenticidad y volvía dura y necia la tarea de desairar a las Pentason? Bajó la escalera y cruzó el césped en direción a la piscina. De pie sobre el bordillo, llamó: "¡Nerissa! ¡Nerissa! ¡Nerissa!", pero el agua replicó: "Mamá, mamá, he encontrado al hombre con que quiero casarme".
Su única hija se había convertido en una piscina.
john cheever, metamorfosis, en Relatos II.
(fragmento)
A horas de rodar. Respirando, profundo, intoxicándose de smog al mismo tiempo, pero parece que no queda alternativa.
Su única hija se había convertido en una piscina.
john cheever, metamorfosis, en Relatos II.
(fragmento)
A horas de rodar. Respirando, profundo, intoxicándose de smog al mismo tiempo, pero parece que no queda alternativa.
lunes, mayo 28, 2007
martes, mayo 22, 2007
:: 152
Volví.
Fueron pocos días cariocas, pero los suficientes para tener una noción de la ciudad. Es impresionante. Quiero escribir algo más largo... Santiago está helado, y algo agreste. Pero ha sido bueno volver de todos modos.
laFuga está actualizada, visitar. Escribí algo para The Road to Guantanamo. Hay un dossier con cosas de BAFICI que también está muy interesante.
The Road to Guantanamo
Tensiones y traspasos
Las pantallas contemporáneas y sus circuitos de circulación de obras es uno de los ejes a considerar dentro del desarrollo crítico actual. Dependiendo del soporte o de las condiciones de exhibición puede predisponerse la percepción de un público ante la lectura del contenido que se le presenta. Un videoarte cabe dentro de una galería que garantiza (o al menos permite) el dispositivo experimental de las imágenes que contiene, dando paso a la posibilidad de la no-narración y al privilegio de las aperturas conceptuales. Una película presente en la ‘sala de cine’ es un espectáculo pagado por el mainstream, que debería cumplir con las expectativas de divertimento. Y un formato televisivo tiende a ser el exceso de esta última necesidad.
El asunto no es tan claro en el caso de los traspasos. Las necesidades del mercado televisivo y las televisiones de pago requieren sistemáticamente el ingreso de la ‘película’ para llenar horas de programación. Pero el cine suele ser arrogante y mira a su hermana menor desde un piso más en la jerarquía. ¿Cómo adoptar desde ella alguna innovación narrativa? El gesto supone una inversión en la cadena del status. Y pone en tensión la noción del formato cinematográfico como un relato cultural más bien único. ‘The Road to Guantanamo’ entra a la ambigüedad de construirse sobre este margen, pero, al mismo tiempo, arrastrar consigo repercusiones propias de lo que suele entenderse como la obra cinematográfica.
Esta reflexión inicial aparece a partir de su propio formato narrativo. La película queda dentro de los parámetros del docudrama, formato eminentemente televisivo, que consiste en la dramatización/recreación de una historia real, acreditada por sus propios protagonistas y usualmente (no siempre) conexa a entrevistas que a éstos se le hacen, mediante un montaje yuxtapuesto. En TV, los docudramas acostumbran tener grandes dosis de efectismo, haciendo énfasis en historias anónimas y sufridas o incluso en fenómenos sobrenaturales (como por ejemplo los chilenos ‘Mujer rompe el silencio’ o ‘El día menos pensado’). En cine, es un formato pocas veces utilizado, con algunos antecedentes escasos (por ejemplo, un temprano Kieslowski), que tienden a concentrar sus energías en las condiciones dramáticas ‘particulares’ del caso cubierto, evitando (quizás no deliberadamente) expansiones hacia discursos contingentes.
Dentro de este contexto, ‘The Road …’ muestra varios asuntos particulares. Reconstruye el testimonio de tres británicos de origen pakistaní que viajan a Medio Oriente para el matrimonio de uno de ellos. En el viaje partieron cuatro, pero uno desapareció sin dejar rastro en una parte del viaje, que consistió en dejar la primera estación del Pakistán natal hacia la frontera con Afganistán, poco después del 11 de septiembre de 2001. Es aquí donde todo comienza. Cuando se dan cuenta de que las intenciones iniciales de prestar ayuda a la resistencia afgana no son nada más que ambiciones juveniles, deciden volver a Pakistán. Pero cuando se acercan a la región de Kunduz, buscando algún tipo de transporte, se lleva al cabo el ataque de la Alianza del Norte: los guerrilleros afganos opuestos al régimen talibán que estuvieron coordinados con Estados Unidos. Así, los tres pasan a ser prisioneros de guerra. Durante su estadía en Afganistán son entrevistados sistemáticamente por interrogadores británicos y estadounidenses, acerca de las funciones que ocuparon en el atentado a las Torres Gemelas. Cuáles fueron sus relaciones laborales con Osama Bin Laden, con la organización Al Qaeda. Evidentemente, los jóvenes niegan cualquier tipo de participación. Pero son inculpados de manera vehemente. Al momento en que los militares ven que no consiguen ningún avance, son llevados a Guantánamo, Cuba. Allí hay 186 sospechosos del 11/9 tras las rejas. La ‘inteligencia’ estadounidense entra aquí con sus agencias especializadas al ataque. CIA, FBI y cuerpos militares desarrollan su investigación desde la manipulación hasta la tortura. El trío vive así durante dos años de sus vidas.
Dirigida por Michael Winterbottom y Mat Whitecross, la cinta obtuvo el Oso de Plata en la pasada Berlinale, y ha causado un especial impacto en el pueblo británico, más aún considerando que Blair deja su tarea como primer ministro y su gestión en torno a Medio Oriente ha sido fuertemente cuestionada. Una de las primeras tensiones que parece al respecto es cómo el formato del docudrama que presenta la película adquiere el status de obra cinematográfica, a pesar de que independiente de su circulación en este formato ha sido transmitida por televisión en Reino Unido casi al mismo tiempo. Puede partirse desde la evidencia: ‘The Road’ está realizada y expuesta, mayoritariamente, en celuloide. La dimensión de su soporte permite insertarla en el circuito de exhibición, la sala de cine. Asimismo, permite la circulación en otro mecanismo para legitimizarse, los festivales y sus jurados, Berlín como el ejemplo definitivo. La película entra entonces al ‘sistema del cine’, al modo ‘adecuado’ en que debe difundirse, guiando así su posible lectura, orientando las vías de recepción al respecto. Al verla como se instala, se supone que corresponde a los productos culturales de su índole. El punto es que además de pertenecer a ellos, adquiere una repercusión instantánea, que la ha hecho merecedora de varios halagos.
Winterbottom y Whitecross saben perfectamente lo que están haciendo. Un acto de subversión en frente a las políticas tomadas por los líderes de su nación de origen. La denuncia se construye en la medida del frío cálculo de las consecuencias: la película no es ‘un documental más’, o una ficción trivial, sino un documento audiovisual que certifica graves errores estadounidenses en torno al tratamiento de los prisioneros de guerra, y por supuesto, en una segunda instancia, la cita a la inutilidad e inoperancia de sus relaciones internacionales. La narración no se clausura entonces en sí misma, sino que se amplía hacia los sujetos políticos aludidos.
Ahora, la ética de los mecanismos audiovisuales propuestos en ‘The Road’ clausura al mismo tiempo todas las posibilidades interpretativas. De acuerdo a los documentos televisivos insertos, Bush es un monstruo, Blair fue condescendiente con él, la invasión ‘en contra del terrorismo’ ha sido aún más terrorista. Una estética totalizante y blindada, que no permite hacer otro tipo de lectura. Esta coherencia, algo agresiva, es sin embargo su mayor fortaleza. La película se construye con tal rigor que es imposible escapar a sus sujetos narrativos. Es fiel en seguirlos, en ser testigo de lo que ‘sucede’ (recordar el fenómeno recreación) y en ser capaz de filtrarlo hacia un único interés discursivo. Esta cámara activa, al mismo tiempo, busca la indefinición entre el dispositivo formal documental y la ficción, a veces llegando a los hechos, a veces presupuestándolos con los personajes entrando a cuadro. Queda abierta la duda de la realidad de los documentos, de las fronteras de la recreación. Sobre todo en las escenas colectivas, en los tránsitos desérticos de los afganos, de los pakistaníes. Pero todo remite a un realismo vital, a la idea de haber estado allí en el momento adecuado.
Así, el status de ‘lo real’ es violentamente verosímil. Independiente de que la historia lo es, el suceso-rodaje es una recreación. Pero esto se olvida, y se toma como si fuese un documental, como si se hubiera sido el testigo directo. Para el espectador la película alcanza tal nivel de efectividad que su coeficiente de realidad como lector del texto es igualarlo a ‘lo real’, casi en su misma calidad. Independiente de que haya sido filmada, de que sea sólo ‘una’ realidad, la película es en esto brutalmente efectiva. Aprovecha deliberadamente –y en exceso- el pacto de credibilidad que tiene el espectador con ella. El suspended disbelief, propiedad del arte cinematográfico en la ficción, es una posibilidad de agresión. En este caso, desde el docudrama, se exacerba, no sólo porque pone en tensión el asunto de lo real de las imágenes, sino porque la afilada inserción de entrevistas a los afectados se presenta como ‘certificado de realidad’. A diferencia del documental, todos los elementos narrativos están a libre disposición de los directores que gestionan esta narración. Como lo dice Burch: “Cualquiera sea el grado de conciencia crítica, el espectador sentado en la oscuridad, súbitamente solo frente a la pantalla, está ahora a la merced del realizador: éste puede violentarle en cualquier instante por cualquier medio: cuando se le haga traspasar el umbral del dolor, por más que sus mecanismos de defensa entren en acción, por más que se acuerde que es ‘sólo un film’ (…) siempre será un instante demasiado tarde: el ‘mal’ ya está hecho, el malestar, el terror quizá, están ya en casa” [1] . Este malestar en el caso de ‘The Road…’ es su principal virtud. La capacidad de prestar una verosimilitud tal que no es posible marginarse de la sensación de rechazo que la cinta promueve. La evidencia, despojada de efectismos. Pero efectiva, incluso al punto de especularse acerca del desalojo del laborismo en el gobierno británico, en el que la película jugaría un papel relativamente importante.
Por otro lado, la película pone en tensión además el mismo valor de la verdad. ¿Qué es la verdad, lo mediado por la televisión o la capacidad privada de censura que presta el formato ‘película’? ¿Un Bush asegurando que en Guantánamo habitan personas que no comparten los mismos valores que el resto de nosotros, o lo que los prisioneros responden una y otra vez en los interrogatorios? El diagnóstico es pesimista: el real valor de la verdad no es la pantalla doméstica –TV-, fuertemente manipulada por los intereses gubernamentales y políticos. La pantalla de cine provee la posibilidad de la franqueza, en la medida de su mismo mecanismo de producción: la misma ‘The Road…’ es posible por subsidios y carencia de manipulación corporativa (estudios, o un carácter más industrial). A pesar de ejecutar un formato de origen televisivo, de tener ese traspaso, la película desconoce el valor de la industria que la influencia. Esto, no desde un lugar arrogante, sino desde la vehemencia de proponer una oferta de la ‘verdad’. De poner en superficie lo que se oculta tras las intenciones comunicacionales del decadente gobierno de Bush. De poner en jaque al país que presta la dominancia cinematográfica, industrial y culturalmente.
Es cierto que existe un cierto conocimiento acerca de la incompetencia de Bush y de lo brutal de algunas de sus políticas. Es cierto que el sistema cultural de oposición a las políticas estadounidenses utiliza las mismas tácticas de difusión y marketing, es cierto que ‘The Road…’ es un producto de consumo. Pero tiene la suficiente fuerza en sus dispositivos audiovisuales e ideológicos como para provocar las repercusiones que provoca, para llenar de ecos la disciplina de lo cinematográfico y asumir sin pudor la hibridez de su género.
[1] Burch, Noël: Praxis del cine. Editorial Fundamentos, España, 2004. Página 131.
Fueron pocos días cariocas, pero los suficientes para tener una noción de la ciudad. Es impresionante. Quiero escribir algo más largo... Santiago está helado, y algo agreste. Pero ha sido bueno volver de todos modos.
laFuga está actualizada, visitar. Escribí algo para The Road to Guantanamo. Hay un dossier con cosas de BAFICI que también está muy interesante.
The Road to Guantanamo
Tensiones y traspasos
Las pantallas contemporáneas y sus circuitos de circulación de obras es uno de los ejes a considerar dentro del desarrollo crítico actual. Dependiendo del soporte o de las condiciones de exhibición puede predisponerse la percepción de un público ante la lectura del contenido que se le presenta. Un videoarte cabe dentro de una galería que garantiza (o al menos permite) el dispositivo experimental de las imágenes que contiene, dando paso a la posibilidad de la no-narración y al privilegio de las aperturas conceptuales. Una película presente en la ‘sala de cine’ es un espectáculo pagado por el mainstream, que debería cumplir con las expectativas de divertimento. Y un formato televisivo tiende a ser el exceso de esta última necesidad.
El asunto no es tan claro en el caso de los traspasos. Las necesidades del mercado televisivo y las televisiones de pago requieren sistemáticamente el ingreso de la ‘película’ para llenar horas de programación. Pero el cine suele ser arrogante y mira a su hermana menor desde un piso más en la jerarquía. ¿Cómo adoptar desde ella alguna innovación narrativa? El gesto supone una inversión en la cadena del status. Y pone en tensión la noción del formato cinematográfico como un relato cultural más bien único. ‘The Road to Guantanamo’ entra a la ambigüedad de construirse sobre este margen, pero, al mismo tiempo, arrastrar consigo repercusiones propias de lo que suele entenderse como la obra cinematográfica.
Esta reflexión inicial aparece a partir de su propio formato narrativo. La película queda dentro de los parámetros del docudrama, formato eminentemente televisivo, que consiste en la dramatización/recreación de una historia real, acreditada por sus propios protagonistas y usualmente (no siempre) conexa a entrevistas que a éstos se le hacen, mediante un montaje yuxtapuesto. En TV, los docudramas acostumbran tener grandes dosis de efectismo, haciendo énfasis en historias anónimas y sufridas o incluso en fenómenos sobrenaturales (como por ejemplo los chilenos ‘Mujer rompe el silencio’ o ‘El día menos pensado’). En cine, es un formato pocas veces utilizado, con algunos antecedentes escasos (por ejemplo, un temprano Kieslowski), que tienden a concentrar sus energías en las condiciones dramáticas ‘particulares’ del caso cubierto, evitando (quizás no deliberadamente) expansiones hacia discursos contingentes.
Dentro de este contexto, ‘The Road …’ muestra varios asuntos particulares. Reconstruye el testimonio de tres británicos de origen pakistaní que viajan a Medio Oriente para el matrimonio de uno de ellos. En el viaje partieron cuatro, pero uno desapareció sin dejar rastro en una parte del viaje, que consistió en dejar la primera estación del Pakistán natal hacia la frontera con Afganistán, poco después del 11 de septiembre de 2001. Es aquí donde todo comienza. Cuando se dan cuenta de que las intenciones iniciales de prestar ayuda a la resistencia afgana no son nada más que ambiciones juveniles, deciden volver a Pakistán. Pero cuando se acercan a la región de Kunduz, buscando algún tipo de transporte, se lleva al cabo el ataque de la Alianza del Norte: los guerrilleros afganos opuestos al régimen talibán que estuvieron coordinados con Estados Unidos. Así, los tres pasan a ser prisioneros de guerra. Durante su estadía en Afganistán son entrevistados sistemáticamente por interrogadores británicos y estadounidenses, acerca de las funciones que ocuparon en el atentado a las Torres Gemelas. Cuáles fueron sus relaciones laborales con Osama Bin Laden, con la organización Al Qaeda. Evidentemente, los jóvenes niegan cualquier tipo de participación. Pero son inculpados de manera vehemente. Al momento en que los militares ven que no consiguen ningún avance, son llevados a Guantánamo, Cuba. Allí hay 186 sospechosos del 11/9 tras las rejas. La ‘inteligencia’ estadounidense entra aquí con sus agencias especializadas al ataque. CIA, FBI y cuerpos militares desarrollan su investigación desde la manipulación hasta la tortura. El trío vive así durante dos años de sus vidas.
Dirigida por Michael Winterbottom y Mat Whitecross, la cinta obtuvo el Oso de Plata en la pasada Berlinale, y ha causado un especial impacto en el pueblo británico, más aún considerando que Blair deja su tarea como primer ministro y su gestión en torno a Medio Oriente ha sido fuertemente cuestionada. Una de las primeras tensiones que parece al respecto es cómo el formato del docudrama que presenta la película adquiere el status de obra cinematográfica, a pesar de que independiente de su circulación en este formato ha sido transmitida por televisión en Reino Unido casi al mismo tiempo. Puede partirse desde la evidencia: ‘The Road’ está realizada y expuesta, mayoritariamente, en celuloide. La dimensión de su soporte permite insertarla en el circuito de exhibición, la sala de cine. Asimismo, permite la circulación en otro mecanismo para legitimizarse, los festivales y sus jurados, Berlín como el ejemplo definitivo. La película entra entonces al ‘sistema del cine’, al modo ‘adecuado’ en que debe difundirse, guiando así su posible lectura, orientando las vías de recepción al respecto. Al verla como se instala, se supone que corresponde a los productos culturales de su índole. El punto es que además de pertenecer a ellos, adquiere una repercusión instantánea, que la ha hecho merecedora de varios halagos.
Winterbottom y Whitecross saben perfectamente lo que están haciendo. Un acto de subversión en frente a las políticas tomadas por los líderes de su nación de origen. La denuncia se construye en la medida del frío cálculo de las consecuencias: la película no es ‘un documental más’, o una ficción trivial, sino un documento audiovisual que certifica graves errores estadounidenses en torno al tratamiento de los prisioneros de guerra, y por supuesto, en una segunda instancia, la cita a la inutilidad e inoperancia de sus relaciones internacionales. La narración no se clausura entonces en sí misma, sino que se amplía hacia los sujetos políticos aludidos.
Ahora, la ética de los mecanismos audiovisuales propuestos en ‘The Road’ clausura al mismo tiempo todas las posibilidades interpretativas. De acuerdo a los documentos televisivos insertos, Bush es un monstruo, Blair fue condescendiente con él, la invasión ‘en contra del terrorismo’ ha sido aún más terrorista. Una estética totalizante y blindada, que no permite hacer otro tipo de lectura. Esta coherencia, algo agresiva, es sin embargo su mayor fortaleza. La película se construye con tal rigor que es imposible escapar a sus sujetos narrativos. Es fiel en seguirlos, en ser testigo de lo que ‘sucede’ (recordar el fenómeno recreación) y en ser capaz de filtrarlo hacia un único interés discursivo. Esta cámara activa, al mismo tiempo, busca la indefinición entre el dispositivo formal documental y la ficción, a veces llegando a los hechos, a veces presupuestándolos con los personajes entrando a cuadro. Queda abierta la duda de la realidad de los documentos, de las fronteras de la recreación. Sobre todo en las escenas colectivas, en los tránsitos desérticos de los afganos, de los pakistaníes. Pero todo remite a un realismo vital, a la idea de haber estado allí en el momento adecuado.
Así, el status de ‘lo real’ es violentamente verosímil. Independiente de que la historia lo es, el suceso-rodaje es una recreación. Pero esto se olvida, y se toma como si fuese un documental, como si se hubiera sido el testigo directo. Para el espectador la película alcanza tal nivel de efectividad que su coeficiente de realidad como lector del texto es igualarlo a ‘lo real’, casi en su misma calidad. Independiente de que haya sido filmada, de que sea sólo ‘una’ realidad, la película es en esto brutalmente efectiva. Aprovecha deliberadamente –y en exceso- el pacto de credibilidad que tiene el espectador con ella. El suspended disbelief, propiedad del arte cinematográfico en la ficción, es una posibilidad de agresión. En este caso, desde el docudrama, se exacerba, no sólo porque pone en tensión el asunto de lo real de las imágenes, sino porque la afilada inserción de entrevistas a los afectados se presenta como ‘certificado de realidad’. A diferencia del documental, todos los elementos narrativos están a libre disposición de los directores que gestionan esta narración. Como lo dice Burch: “Cualquiera sea el grado de conciencia crítica, el espectador sentado en la oscuridad, súbitamente solo frente a la pantalla, está ahora a la merced del realizador: éste puede violentarle en cualquier instante por cualquier medio: cuando se le haga traspasar el umbral del dolor, por más que sus mecanismos de defensa entren en acción, por más que se acuerde que es ‘sólo un film’ (…) siempre será un instante demasiado tarde: el ‘mal’ ya está hecho, el malestar, el terror quizá, están ya en casa” [1] . Este malestar en el caso de ‘The Road…’ es su principal virtud. La capacidad de prestar una verosimilitud tal que no es posible marginarse de la sensación de rechazo que la cinta promueve. La evidencia, despojada de efectismos. Pero efectiva, incluso al punto de especularse acerca del desalojo del laborismo en el gobierno británico, en el que la película jugaría un papel relativamente importante.
Por otro lado, la película pone en tensión además el mismo valor de la verdad. ¿Qué es la verdad, lo mediado por la televisión o la capacidad privada de censura que presta el formato ‘película’? ¿Un Bush asegurando que en Guantánamo habitan personas que no comparten los mismos valores que el resto de nosotros, o lo que los prisioneros responden una y otra vez en los interrogatorios? El diagnóstico es pesimista: el real valor de la verdad no es la pantalla doméstica –TV-, fuertemente manipulada por los intereses gubernamentales y políticos. La pantalla de cine provee la posibilidad de la franqueza, en la medida de su mismo mecanismo de producción: la misma ‘The Road…’ es posible por subsidios y carencia de manipulación corporativa (estudios, o un carácter más industrial). A pesar de ejecutar un formato de origen televisivo, de tener ese traspaso, la película desconoce el valor de la industria que la influencia. Esto, no desde un lugar arrogante, sino desde la vehemencia de proponer una oferta de la ‘verdad’. De poner en superficie lo que se oculta tras las intenciones comunicacionales del decadente gobierno de Bush. De poner en jaque al país que presta la dominancia cinematográfica, industrial y culturalmente.
Es cierto que existe un cierto conocimiento acerca de la incompetencia de Bush y de lo brutal de algunas de sus políticas. Es cierto que el sistema cultural de oposición a las políticas estadounidenses utiliza las mismas tácticas de difusión y marketing, es cierto que ‘The Road…’ es un producto de consumo. Pero tiene la suficiente fuerza en sus dispositivos audiovisuales e ideológicos como para provocar las repercusiones que provoca, para llenar de ecos la disciplina de lo cinematográfico y asumir sin pudor la hibridez de su género.
[1] Burch, Noël: Praxis del cine. Editorial Fundamentos, España, 2004. Página 131.
viernes, mayo 18, 2007
:: 151
Escribo mientras miro el Pan de Azucar por la ventana, en un teclado sin acentos ni egnes, en un departamento de una anfitriona exquisita a la que estamos visitando. Cenamos, convesamos, veo el Cristo Redentor por la otra ventana, pero la realidad es que no hay ventana porque el departamento no tiene ninguna, es simplemente sin murallas ni ventanas, una vista envidiable en medio de Botafogo. Rio es hasta el momento una sonrisa y mucho calor.
miércoles, mayo 16, 2007
:: 150
Anoche, por insistencia de mi papá que me decía que tenía que verlo, me puse a ver 'Santiago no es Chile', programa de Canal 13 que pertenece a su línea Bicentenario. Él había los capítulos anteriores y es un espectador fiel. Yo no había visto ninguno, accedí.
El programa lo dirige Cristián Leighton, y consiste en una serie de documentales bastante poco pretenciosos en los que se cuenta el viaje de un santiaguino a una región remota del país, donde se queda unos días y cambia de rutina. Conoce a sus anfitriones, se margina del asfalto y respira. El modelo es tan sencillo como emocionante. Anoche salió al aire la historia de Jorge, un ejecutivo que viaja a Chaitén a la casa de Marcos, Loreto y el pequeño Martín. Tras varios minutos de desarrollo nos enteramos además que que Loreto es la hermana de Rodrigo Anfruns. Todo se entreteje, el dolor de ella, la gran energía que tuvo la pareja al comenzar una vida nueva muy lejos de Santiago, lo que le pasaba a Jorge en la vida con ellos. El lenguaje es muy televisivo, con entrevistas, cámaras testigo y una pequeña que graban los mismos protagonistas sin el equipo de producción presente. Pero la sensación que te provoca es tan transparente... hasta me emocioné. Debo admitir que no soy chauvinista y que yo no me iría a vivir fuera de Santiago a un lugar muy lejano, jamás (hablo dentro de Chile, evidentemente). De viaje sí, pero a radicarme no. Pero al mismo tiempo es bonito darse cuenta de lo que pasa lejos de aquí, de estas calles. En fin, es un placer darse cuenta del espacio que puede darse a un programa que realmente valga la pena.
martes, mayo 15, 2007
miércoles, mayo 09, 2007
:: 148
Anoche, estreno de Papelucho.
Un cuarteto demasiado gracioso. Lo que nos dio más risa fue ver al señor de Tribunal Oral.
Tengo una cajita merchandising con un yo-yo y una pirinola, el yo-yo se enciende. Se fue derecho de regalo para mi hermano pequeño.
Después nos fuimos a comer pizza.
A la película, espero que le vaya bien.
Un cuarteto demasiado gracioso. Lo que nos dio más risa fue ver al señor de Tribunal Oral.
Tengo una cajita merchandising con un yo-yo y una pirinola, el yo-yo se enciende. Se fue derecho de regalo para mi hermano pequeño.
Después nos fuimos a comer pizza.
A la película, espero que le vaya bien.
martes, mayo 08, 2007
:: 147
Desde ahora en adelante escribo en el sitio de la Fundación del Nuevo Cine Latinoamericano.
El punto es que no sabía. De todos modos, una amenidad verse citado, ojalá lo hagan de nuevo.
El punto es que no sabía. De todos modos, una amenidad verse citado, ojalá lo hagan de nuevo.
lunes, mayo 07, 2007
:: 145
Opiniones
Vía laFuga
Ofertas de Temporada
En Cineteca Nacional está corriendo un ciclo con siete películas francesas que han estado últimamente en la Quincena de los Realizadores de Cannes (en el link la programación, fijarse). La muestra alternativa a la competencia oficial que tiene un olfato 'más independiente', ahora gestionada en una pequeña versión santiaguina gracias al apoyo de la Embajada de Francia. No es per se una garantía, pero está bien mirar. Copias en 35mm!
Estuve en dos de estas funciones el pasado fin de semana. Aquí van mis opiniones, muy subjetivas y más bien improvisadas. Lo primero: 'La herida' de Nicolás Klotz (2004, 162'). La película, algo agotadora, es un relato interesante en términos de su proceso de producción, puesto que dispone de actores no profesionales haciendo de personajes muy similares a sí mismos, confundiéndose progresivamente en un tono documental. Son vistas de cámara, encuadres fijos sobre las situaciones que atraviesan un grupo de inmigrantes africanos a París. Una Francia violenta, intransigente, que repele en el aeropuerto a quienes pretenden integrarse a su sistema económico. Repleta de testimonios en primera persona, está a medio camino entre un gesto efectista y la franqueza. Pero la sensibilidad del director finalmente tiende a llevar a pensar en lo segundo. El largo metraje sólo se justifica en la medida de su tono observacional, de su vocación de registro de las acciones cotidianas, en encuadres varias veces perturbadores (por la rareza de sus proporciones, por el intenso uso del fuera de cuadro, por su fijeza rigurosa). La película trabaja luego desde la marginalidad, tanto por su independencia como por el hecho de atacar varias políticas de la nación que la acoge. Interesante, angustiante, quizás demasiado larga, pero eficiente al fin y al cabo.
Lo segundo: 'Cambio de dirección' de Emmanuel Mouret (2006, 85'). El director es un ejemplo del síndrome director-guionista-actor protagonista. La anécdota, un músico medio pánfilo que busca compartir departamento. Lo encuentra por accidente y su compañera de piso, Anne, es algo coqueta. Terminan siendo solo amigos. El musico se enamora perdidamente de una alumna, Julia. Equivocaciones mediante, sostienen una relación que luego se acaba. Y termina estando con Anne. Una comedia francesa muy francesa, ese humor que es a veces gracioso pero casi naif. Privada del erotismo, la película es algo asi como una versión de Rohmer, pero liviana y sin mayores pretensiones. Me aburrí bastante, muy predecible, obvia, y algo aburrida al fin y al cabo. Fui con Manuela, una amiga que no pudo acompañarme el viernes, que luego se quejaba de su mala suerte por no haber ido el día adecuado. En fin.
Lo otro que es muy importante en estas ofertas de temporada es que en el Centro de Extensión UC, comienza pronto el Festival de Cine Europeo (allí programación). Carola: podremos ver 'Les amants reguliers' después que la copia se estropeó el año pasado en SANFIC. Independiente de esa dulce venganza, hay muchas películas que luego son difíciles de encontrar en una proyección de 35mm, así que habrá que hacer un esfuerzo para aprovechar.
Vía laFuga
Ofertas de Temporada
En Cineteca Nacional está corriendo un ciclo con siete películas francesas que han estado últimamente en la Quincena de los Realizadores de Cannes (en el link la programación, fijarse). La muestra alternativa a la competencia oficial que tiene un olfato 'más independiente', ahora gestionada en una pequeña versión santiaguina gracias al apoyo de la Embajada de Francia. No es per se una garantía, pero está bien mirar. Copias en 35mm!
Estuve en dos de estas funciones el pasado fin de semana. Aquí van mis opiniones, muy subjetivas y más bien improvisadas. Lo primero: 'La herida' de Nicolás Klotz (2004, 162'). La película, algo agotadora, es un relato interesante en términos de su proceso de producción, puesto que dispone de actores no profesionales haciendo de personajes muy similares a sí mismos, confundiéndose progresivamente en un tono documental. Son vistas de cámara, encuadres fijos sobre las situaciones que atraviesan un grupo de inmigrantes africanos a París. Una Francia violenta, intransigente, que repele en el aeropuerto a quienes pretenden integrarse a su sistema económico. Repleta de testimonios en primera persona, está a medio camino entre un gesto efectista y la franqueza. Pero la sensibilidad del director finalmente tiende a llevar a pensar en lo segundo. El largo metraje sólo se justifica en la medida de su tono observacional, de su vocación de registro de las acciones cotidianas, en encuadres varias veces perturbadores (por la rareza de sus proporciones, por el intenso uso del fuera de cuadro, por su fijeza rigurosa). La película trabaja luego desde la marginalidad, tanto por su independencia como por el hecho de atacar varias políticas de la nación que la acoge. Interesante, angustiante, quizás demasiado larga, pero eficiente al fin y al cabo.
Lo segundo: 'Cambio de dirección' de Emmanuel Mouret (2006, 85'). El director es un ejemplo del síndrome director-guionista-actor protagonista. La anécdota, un músico medio pánfilo que busca compartir departamento. Lo encuentra por accidente y su compañera de piso, Anne, es algo coqueta. Terminan siendo solo amigos. El musico se enamora perdidamente de una alumna, Julia. Equivocaciones mediante, sostienen una relación que luego se acaba. Y termina estando con Anne. Una comedia francesa muy francesa, ese humor que es a veces gracioso pero casi naif. Privada del erotismo, la película es algo asi como una versión de Rohmer, pero liviana y sin mayores pretensiones. Me aburrí bastante, muy predecible, obvia, y algo aburrida al fin y al cabo. Fui con Manuela, una amiga que no pudo acompañarme el viernes, que luego se quejaba de su mala suerte por no haber ido el día adecuado. En fin.
Lo otro que es muy importante en estas ofertas de temporada es que en el Centro de Extensión UC, comienza pronto el Festival de Cine Europeo (allí programación). Carola: podremos ver 'Les amants reguliers' después que la copia se estropeó el año pasado en SANFIC. Independiente de esa dulce venganza, hay muchas películas que luego son difíciles de encontrar en una proyección de 35mm, así que habrá que hacer un esfuerzo para aprovechar.
jueves, mayo 03, 2007
:: 144
Dos llamados de atención. En la Cineteca un ciclo con siete películas que han estado en la Quincena en Cannes. No es per se una garantía, pero está bien mirar.
En Extensión, Festival de Cine Europeo (podremos ver 'Les amants reguliers' después que la copia se estropeó el año pasado en SANFIC!)
Todo en 35 mm que es la gracia al fin y al cabo, evitar la piratería y guardar algo de la magia que queda.
miércoles, mayo 02, 2007
:: 143
Atención con esto!
Vía Super45
El Tribeca Film Festival, que se lleva a cabo desde hace un par de años en la capital del mundo, está en plena muestra de su versión 2007.
Hay más de cincuenta cortos en competencia pero la amabilidad del NYTimes Magazine nos trae una pequeña selección con los cinco imperdibles de la competencia. Lo mejor, es que además de una pequeña reseña, agrega enlaces directos para ver en línea en versión completa, estos cinco favoritos.
¿Qué mejor?
Hay más de cincuenta cortos en competencia pero la amabilidad del NYTimes Magazine nos trae una pequeña selección con los cinco imperdibles de la competencia. Lo mejor, es que además de una pequeña reseña, agrega enlaces directos para ver en línea en versión completa, estos cinco favoritos.
¿Qué mejor?
:: 142
The Road to Guantanamo. La industria audiovisual y sus híbridos, siempre el asunto de los formatos, su conversión, las modalidades narrativas, sus efectos. Winterbottom es uno de mis predilectos desde 24 hours party people y Code 46, ambas muy disímiles entre sí pero notables en sus presupuestos individuales. Y ahora involucrándose en un proyecto codirigido con Mat Whitecross, que antes había colaborado como montajista en 9 songs. 'The Road...' es un gesto extraño, importar el efectismo del docudrama al largometraje en cine. La idea no es hacer una clase de formatos televisivos, pero básicamente un docudrama es la recreación de una historia real, usualmente alternada con entrevistas. Básicamente, 'The Road...' es algo así como un 'Mujer rompe el silencio' pero evidentemente menos chulo. Y no por que esté hecho en 35 mm o porque su director sea renombrado, sino porque se articula en torno a una manifestación principalmente política.
Tres británicos de origen pakistaní visitan su país natal, y cometen el error de atravesar la frontera hacia Afganistán. Son detenidos por las milicias estadounidenses. Y luego les preguntan que tienen que ver con Al Qaeda. Dónde está Osama. Y atraviesan una tortura sistemática, física y psícologicamente hablando. Y son tres años de sus vidas sometidos a la incomprensión de quienes los inculpan. Trasladados desde Medio Oriente a la base militar gringa 'que respeta la convención de Ginebra': Guantánamo, Cuba.
Lo peor de la historia entonces?
El que es verdad.
Los resultados son notables. Un montaje milimétrico y necesario a la medida de lo que se cuenta, entrevistas afiladas, una puesta en escena muy documental y a la vez muy Winterbottom. Terminé angustiado y con una alta cuota de bushgringofobia. Lo único que fue capaz de calmarla es que por conocimiento de causa sé que no todos los gringos actuarían de la misma manera.
El sábado fui con Simón mi hermano pequeño (7 años, exquiso) a ver El Capote, montaje de marionetas adaptado de un cuento de Gogol. Muy bonito, lindos los gestos, con animaciones hechas por los amigos de Fluor.
Ah, y también vi The Queen. Helen Mirren efectivamente está increíble. Invité a mi mamá (que cuento aparte lloró para la muerte de Diana y compró el disco de Elton John , plop) y lo pasamos bien. Y debo decir que quedé absolutamente promonárquico. Nada, Frears en este caso entretiene, y lo hace muy bien.
Ahora, quebrado después de este ataque de afecto familiar de weekend, me sumerjo en el río.
martes, abril 24, 2007
martes, abril 17, 2007
:: 140
Anoche, tras una larga espera, estuve en la premiere de 'The Science of Sleep'. La espera, consecuencia de una obsesión purista de querer verla en sala antes que una versión pirata (que me ofrecieron una y otra vez), tuvo una gran recompensa.
Algunos la tildan de demasiado ingenua, o demasiado bonita.
A mí, me gustó mucho. Mucho. Quizás demasiado. Los idiomas, lo precario, la visualidadtanGondry. El tipo puso hasta sus tripas en la película, y se agradece. Stephane, un personaje que se llama y comporta igual que el niño de La Lettre, aparece de nuevo, yo los asocio como el mismo, me gustaría preguntarle a Gondry cuál es la asociación.
Además la distribuidora organizó junto a El Mercurio un concurso de animaciones en stop motion de 30 segundos. Mostraron dos finalistasy el ganador, Coipo Milk. Muy bien realizado y merecido el primer lugar en mi opinión. 'The Science' es de todo mi gusto. Desde el jueves en adelante en salas, vea si es del suyo.
martes, abril 03, 2007
:: 139
Los hombres y el río.
Proyecto de Título 2007.
Se acaba la escuela. 'El fin de tus mejores años', parafraseando la propaganda pontificia? Lo dudo.
Quizás el comienzo.
jueves, marzo 29, 2007
martes, marzo 27, 2007
lunes, marzo 19, 2007
:: 136
Roser Bru en MAC.
Pelos de punta. Hace tiempo que una exposición no me gustaba tanto.
Fin de semana de plástica, Rugendas en MNBA y MAC completo. Notable también lo de Matthey y las copias de Velásquez. Y el viernes se inauguró Repeat All en M100, una muestra de video con varios invitados extranjeros. Hay algunas cosas bastante interesantes.
Y anoche me fugué a mi Hoyts vecino para ver The Illusionist. Muy entretenida. Y luego me colé como en tiempos adolescentes a ver otra película. Y me repetí el plato de una de mis favoritas, LMS. Y volví a casa con la sensación de que estoy haciendo lo que quiero hacer.
martes, marzo 13, 2007
:: 135
(Esto va para NNM)
Es difícil enfrentarse a las cosas cuando existe un cúmulo de gente que te dice una y otra vez que son buenas. Escepticismo, incredulidad. Muchos cuestionaron el nacimiento de The Strokes cuando sus entradas se vendían a miles de dólares antes de que cualquiera hubiese escuchado su disco. El mercado de las expectativas es una de las maneras en que funciona la industria, y es algo a lo que nadie puede abstraerse. Las probabilidades de éxito entonces radican en la posibilidad de satisfacerlas, de demostrar que la propuesta es lo suficientemente convincente.
Tanta perorata es sólo para decir que Teleradio Donoso no se exime de esta dinámica. Supieron armar su oferta con un look y sonido muy estudiados. Algo de vintage, algo de actual. Cristóbal Fredes (bajo y coros), Alex Anwandter (voz, guitarra y teclados) Juan Pablo Wasaff (batería y coros) y Martín del Real (guitarra y coros) superan largamente la idea del ‘producto’. El sonido en vivo es claramente excepcional. Guitarras, voces, todo medio visceral y medio sucio, un vocalista que no es necesariamente afinado, coros que tampoco lo son. Un rock que suena a viejo, pero que al mismo tiempo suena a nuevo. Meter a The Beatles, Beach Boys y a Yo la Tengo en una licuadora y ponerla a máxima velocidad para que no quede un solo grumo. De un tiempo a esta parte se han hecho parte de mi soundtrack, y verlos en vivo tiende a confirmarlo. El jueves pasado en CentroArte Alameda demostraron que sus tocatas casi alcanzan una perfección en lo técnico. Suenan muy bien. Con Carlos Fonseca de manager están al borde del mainstream. Lo que podría ser positivo en la medida en que más personas los escuchen. Pero algo contradictorio para el espíritu indie que dicen tener. Habrá que ver. Por el momento, notable.
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jueves, marzo 08, 2007
:: 134
Hoy, se estrena El Custodio, mi favorita de SANFIC 2006 y una de mis favoritas en general. En Chile se estrena más de un año después de su estreno en Argentina, lo que permitió que me la comprara en DVD en Bs. As. el año pasado. Véala, gran cine, gran ópera prima, reencuadres, ejemplo de punto de vista.
sábado, febrero 10, 2007
:: 134
Febrero. Días de bikram (reciclaje del cuerpo que lo tenía olvidado desde hace años), de escritura, de mirar y mirar imágenes.
Cultivarse.
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